Livres Assouline

 À l’époque où Savile Row était synonyme de style masculin, un Italien novateur, Gaetano Savini, a mis son pays sur la carte, réinventant à jamais la mode masculine. Du premier défilé de mode pour hommes au Palazzo Pitti de Florence en 1952 à ses influences artisanales encore évidentes dans les styles d'aujourd'hui, Savini était vraiment un créateur à la pointe. Son héritage en tant que visionnaire et designer extraordinaire derrière la marque de luxe Brioni est célébré dans cette édition illustrée spectaculaire. Soulignant des exemples des coupes innovantes de Savini, des couleurs vives et des motifs psychédéliques qui ont conduit la révolution du paon des années 1960, The Man Who Was Brioni comprend des croquis et des articles de journaux illustrant comment l'homme est devenu la légende. Rempli de lettres, de photographies et d'anecdotes personnelles de la fille de Savini et de l'héritier Brioni, ce volume détaille la profonde influence de la marque et comment elle est devenue connue sous le nom de « Dior de la mode masculine ».

In the age when Savile Row was synonymous with men’s style, an innovative Italian, Gaetano Savini, put his country on the map, forever reinventing menswear. From the first men’s fashion show at Florence’s Palazzo Pitti in 1952 to his craftsmanship influences still evident in today’s styles, Savini was truly a creator on the cutting edge. His legacy as the visionary and designer extraordinaire behind the Brioni luxury brand is celebrated in this spectacular illustrated edition. Highlighting examples of Savini’s innovative cuts, bold colors, and the psychedelic patterns that led the Peacock Revolution of the 1960s, The Man Who Was Brioni includes sketches and newspaper articles illustrating how the man became the legend. Replete with letters, photographs, and personal anecdotes from Savini’s daughter and Brioni heir, this volume details the brand’s far-reaching influence, and how it came to be known as “the Dior of menswear.”

208 pages
190+ illustrations
Langue Anglaise
Sorti en octobre 2015
L 9,64 x L 12,08 x P 1,37 pouces
Couverture rigide avec une veste
ISBN: 9781614284543
5,9 livres

De toutes les grandes maisons de couture parisiennes, Dior est peut-être la plus célèbre et la plus prestigieuse au monde, incarnant la sublime vision de la féminité de Christian Dior. Après le départ brusque d'Yves Saint Laurent, l'élégance discrète de la conception de Marc Bohan a refait la maison Dior sur sa base originale de silhouettes douces, féminines et féminines, qui ont séduit les femmes du monde entier, des mondaines américains et célébrités internationales à la royauté.

Dior by Marc Bohan est le troisième volume d'une série de livres inédite consacrée à chaque créateur d'une maison de couture, l'ultime recueil des créations haute couture les plus mémorables conçues et fabriquées à la main par la célèbre maison Dior depuis sa création. Soigneusement conservés dans les grands musées et institutions du monde, ces trésors de la mode ont été photographiés et compilés exclusivement pour cette indispensable collection.

Présentant de magnifiques photographies originales de Laziz Hamani, ce merveilleux volume regroupe les créations haute couture les plus emblématiques de Marc Bohan pour la maison Dior, de la collection Slim Line du printemps 1961 à la collection Year of India pour le printemps 1989. Le journaliste de mode Jérôme Hanover raconte des détails et anecdotes derrière de nombreuses pièces sélectionnées, donnant un aperçu des inspirations et des influences de Bohan tout au long de près de trente ans de conception pour la maison Dior.

Of all the great Parisian couture houses, Dior is perhaps the most famous and prestigious in the world, embodying Christian Dior’s sublime vision of femininity. Following the abrupt departure of Yves Saint Laurent, the understated elegance of Marc Bohan’s design outlook regrounded the house of Dior on its original foundation of soft, ladylike, feminine silhouettes, which appealed to women around the world, from American socialites and international celebrities to royalty.

Dior by Marc Bohan is the third volume in an unprecedented series of books devoted to each designer of a couture house, the ultimate compendium of the most memorable haute couture creations conceived and handcrafted by the renowned house of Dior since its inception. Carefully conserved in the world’s great museums and institutions, these fashion treasures have been photographed and exclusively compiled for this indispensable collection.

Featuring beautiful original photography by Laziz Hamani, this marvelous volume encompasses Marc Bohan’s most iconic haute couture designs for the house of Dior, from the Slim Line collection of Spring 1961 to the Year of India collection for Spring 1989. Fashion journalist Jérôme Hanover recounts details and anecdotes behind many selected pieces, providing insight into Bohan’s inspirations and influences throughout nearly thirty years designing for the house of Dior.

496 pages
Plus de 350 illustrations
Langue Anglaise
Sortie en avril 2018
L 11,73 x L 14,56 P 1,88 pouces
Couverture rigide avec veste
ISBN: 9781614286240
11,73 livres

Figure mythique du design français, Pierre Paulin est devenu célèbre pour avoir conçu l'appartement du président Georges Pompidou à l'Elysée et le mobilier du Louvre. Prônant le «design intégré», il a créé une nouvelle relation avec l'architecture d'intérieur. Ses chaises Mushroom, Tongue, Ribbon, Tulip et Orange Slice - toutes en mousse recouvertes de jersey coloré - offrent une gamme de formes rigoureuses mais organiques, fonctionnelles et voluptueuses. Les créations de Paulin symbolisent parfaitement les années soixante et soixante-dix et préfigurent l'évolution du design. Ils sont devenus des objets cultes, ancrés dans notre inconscient collectif.

One of the mythical figures of French design, Pierre Paulin became famous for designing President Georges Pompidou's apartment in the Elysée Palace and furniture for the Louvre. Championing "integrated design, " he created a new relationship with interior architecture. His Mushroom, Tongue, Ribbon, Tulip, and Orange Slice chairs - all made of foam covered with colored jersey - offer a range of shapes that are rigorous yet organic, functional yet voluptuous. Paulin's designs perfectly symbolize the sixties and seventies and foreshadow the evolution of design. They have become cult objects, embedded in our collective unconscious.

Poids de l'article: 0.8lbs
Relié: 78 pages
ISBN-13: 978-2843235672
Dimensions: 6,5 x 0,51 x 8,82 pouces
Éditeur: Assouline Publishing; Première édition (1 juillet 2004)
Langue: Anglaise

Sur une courte période de dix ans, Hodinkee s'est positionnée comme la destination prééminente et la plus distinguée des amateurs de montres-bracelets modernes et vintage. Sortant d'une carrière dans la finance, Ben Clymer a décidé de fusionner ses passions d'horlogerie et d'écriture pour créer un blog traitant de tout, des nouveaux produits aux ventes aux enchères de montres-bracelets vintage. Titrant son effort après le mot tchèque hodinky, qui signifie «petite montre», Clymer a cherché à créer une plate-forme qui était décontractée et accessible à tous les niveaux de passionnés - en quelques années, le New York Times l'a surnommé le «grand prêtre de l'horlogerie». "

Ce qui a commencé comme un humble blog s'est rapidement transformé en un magazine à part entière et un centre de communication électronique pour certaines des plus grandes marques horlogères du monde. Célébrant le jalon de la décennie écoulée depuis la fondation de Hodinkee, ce livre capture en temps voulu la riche expertise des plus grands experts mondiaux. Avec des chapitres décrivant les chronographes, les montres de plongée, le design haut de gamme et les icônes horlogères, ce livre est un recueil de connaisseur pour les vétérans de l'horlogerie et les novices.

Over a short ten-year time-span, Hodinkee has positioned itself as the preeminent and most distinguished destination for modern and vintage wristwatch enthusiasts. Exiting a career in finance, Ben Clymer decided to fuse his horological and writing passions in order to start a blog discussing everything from new products to vintage wristwatch auctions. Titling his endeavor after the Czech word hodinky, which means ‘little watch,’ Clymer sought to create a platform that was casual and accessible to all levels of enthusiasts—within a few years The New York Times dubbed him the “High Priest of Horology.”

What started as a humble blog quickly transformed into a full-fledged magazine and e-comm hub for some of the world’s leading watch brands. Celebrating the decade milestone since Hodinkee’s founding, this book captures the storied expertise of the world’s leading experts on time. With chapters breaking down chronographs, dive watches, high design, and horological icons, this book is a connoisseur’s compendium for the timepiece veterans and novices alike.

300 pages
Plus de 150 illustrations
Langue Anglaise
Sortie en décembre 2019
L 9,8 x L 13 x P 1,2 pouces
Couverture rigide caoutchoutée
ISBN: 9781614288657
5,7 livres

Art House raconte une vie extraordinaire consacrée à vivre avec l'art et une amitié consacrée à concevoir des maisons pour l'honorer. L'un des plus grands collectionneurs d'art au monde, Chara Schreyer a construit une collection impressionnante de six cents œuvres, et sa collaboration de quarante ans avec l'architecte d'intérieur Gary Hutton a produit cinq résidences spectaculaires pour les abriter. Art House est une visite visuelle à couper le souffle de ces maisons, qui vont d'un tour de force architectural à une « galerie comme maison » de grande hauteur.

Informée par l'érudition et une passion pour le conceptuel, la collection de Schreyer couvre tous les médias et comprend des chefs-d'œuvre d'artistes tels que Marcel Duchamp, Joseph Beuys, Man Ray, Louise Bourgeois, Andy Warhol, Frank Stella et Eva Hesse, ainsi que des œuvres d'artistes contemporains dont Gedi Sibony, Rachel Harrison, Glenn Ligon, Christian Marclay et bien d'autres. Art House présente un regard rare et intime sur des centaines de ces œuvres à la maison dans des espaces conçus pour être à la fois intellectuellement et matériellement empathiques avec elles.

Avec des photographies originales du photographe de renommée nationale Matthew Millman, un texte d'Alisa Carroll, rédactrice en chef du principal magazine de design de San Francisco, SFC & G, et l'avant-propos de Neal Benezra, directeur du San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), Art House est une inspiration pour les amateurs d'art et de design.

Art House chronicles an extraordinary life dedicated to living with art, and a friendship devoted to designing homes to honor it. One of the world’s leading art collectors, Chara Schreyer has built a staggering collection of six hundred works, and her forty-year collaboration with interior designer Gary Hutton has produced five spectacular residences to house them. Art House is a breathtaking visual tour of these houses, which range from an architectural tour-de-force to a high-rise “gallery as home.”

Informed by scholarship and a passion for the conceptual, Schreyer’s collection spans all media and includes masterpieces by artists including Marcel Duchamp, Joseph Beuys, Man Ray, Louise Bourgeois, Andy Warhol, Frank Stella and Eva Hesse, as well as work by contemporary artists including Gedi Sibony, Rachel Harrison, Glenn Ligon, Christian Marclay, and many others. Art House features a rare and intimate look at hundreds of these works at home in spaces designed to be both intellectually and materially empathetic with them.

With original photography by nationally renowned photographer Matthew Millman, text by Alisa Carroll, editor in chief of San Francisco’s leading design magazine, SFC&G, and foreword by Neal Benezra, director of the San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), Art House is an inspiration for art and design lovers alike.

224 pages
150 illustrations
Langue Anglaise
Sortie en novembre 2016
L 9,92 x L 12,99 x P 1,38 pouces
Couverture rigide avec veste
ISBN: 9781614285366
6,9 livres

Au Japon, la cuisine a souvent une valeur esthétique et la fabrication de sushis est considérée comme l'un des meilleurs artisanats culinaires. Conformément à cet idéal de la nourriture comme art, les Japonais emploient souvent le mot shokunin, vaguement défini comme «artisan», pour désigner des maîtres de sushi hautement qualifiés. Identifiant l’excellence et le dévouement à son métier, ce titre est réservé à ceux qui abordent leur travail avec un œil artistique et un sens du but apparemment spirituel, ou ikigai.

Dans cette monographie époustouflante, Andrea Fazzari, photographe et auteur lauréat du prix James Beard, dresse le portrait de vingt des maîtres sushis les plus célèbres de la scène culinaire japonaise. Grâce à une combinaison de photographies saisissantes et d'essais intimes, chaque chapitre présente aux lecteurs un nouveau maître et un nouveau restaurant, capturant l'esthétique, la philosophie et le niveau de dévouement qui illustrent leur statut de meilleur shokunin culinaire du monde.

Un incontournable pour les amateurs de sushi - et pour tous ceux qui s'intéressent à la culture gastronomique - Sushi Shokunin est le premier livre du genre des maîtres et restaurants de sushi les plus vénérés. Fazzari invite les lecteurs à explorer le monde raréfié des meilleurs shokunin qui considèrent la fabrication de sushis non seulement comme une carrière, mais aussi comme un mode de vie.

In Japan, cooking often bears aesthetic value, and the making of sushi is exalted as one of the finest culinary crafts. In line with this ideal of food as art, the Japanese often employ the word shokunin, loosely defined as “artisan”, to refer to highly skilled sushi masters. Connoting excellence and devotion to one’s craft, this title is reserved for those who approach their work with an artistic eye and seemingly spiritual sense of purpose, or ikigai.

In this stunning monograph, James Beard Award-winning photographer and author Andrea Fazzari profiles twenty of the most celebrated sushi masters on the Japanese food scene. Through a combination of striking photography and intimate essays, each chapter introduces readers to a new master and restaurant, capturing the aesthetics, philosophy, and level of dedication that illustrates their status as the world’s finest culinary shokunin.

A must-have for sushi enthusiasts—and for anyone interested in fine food culture—Sushi Shokunin is the first book of its kind of the most revered sushi masters and restaurants. Fazzari invites readers to explore the rarefied world of top shokunin who view sushi making not only as a career, but also as a way of life.

280 pages
Plus de 200 illustrations
Langue Anglaise
Sortie en octobre 2020
L 9,8 x L 13 x P 1,4 pouces
Couverture rigide en soie
ISBN: 9781614289395
6,0 livres

Remplaçant l'uniforme rigide et aristocratique de l'époque par des vestes en tweed et des pantalons
souples donnant une allure plus détendue et plus
accessible, Fred Astaire est devenu un modèle pour
toute une génération et continue d'être une référence pour les amateurs de style. Symbole d'une démocratisation de l'Amérique de l'après-guerre, ce dandy au naturel charmeur arborait également ces tenues décontractées pour une raison bien plus pratique : Astaire était un danseur et ses vêtements devaient être confortables, d'une coupe irréprochable - ils devaient danser avec lui. Le Style Fred Astaire analyse l'apport légendaire de ce danseur dans la mode du XXe siècle et décrypte son style, des pochettes en soie aux chaussures en daim blanc, en passant par ses cravates en laine ou gilets en tweed.

Replacing the stiff and aristocratic uniform of the time with tweed jackets and pants flexible giving a more relaxed and more accessible, Fred Astaire has become a model for a whole generation and continues to be a benchmark for style lovers. Symbol of a democratization of post-war America, this naturally charming dandy also sported these casual outfits for a much more practical reason: Astaire was a dancer and his clothes had to be comfortable, impeccably cut - they had to dance with him. The Style Fred Astaire analyzes the legendary contribution of this dancer in the fashion of the 20th century and deciphers his style, from silk pockets to white suede shoes, including his wool ties or tweed vests.

Au cours des années soixante et soixante-dix, de l'Italie aux États-Unis, le style d'Emilio Pucci est passé d'une passion élitiste à un phénomène de masse. Contrairement à la tradition de la haute couture, les créations du marquis florentin étaient simples, aux couleurs vives, aux motifs audacieux - et confortables. Expérimentant des matières technologiquement innovantes et des vêtements de sport inspirés, Pucci a libéré les femmes des corsets, des pagayeurs et des jupons, leur accordant une nouvelle liberté de mouvement pour un style de vie plus actif. Utilisant des imprimés géométriques qui s'inspirent des couleurs de paysages naturels et exotiques, les créations de Pucci mettent en valeur la beauté du corps féminin et définissent un style qui allie haute couture et praticité.

During the sixties and seventies, from Italy to the United States, the style of Emilio Pucci developed from an elitist passion to a mass phenomenon. Contrary to the tradition of haute couture, the designs of the Florentine marquis were simple, brightly colored, boldly patterned - and comfortable. Experimenting with technologically innovative materials and inspired sportswear, Pucci liberated women from corsets, paddling and petticoats, granting them a new freedom of movement for a more active lifestyle. Using geometric prints that draw on the colors of natural and exotic landscapes, Pucci's creations emphasize the beauty of the female body and define a style that combines haute couture with practicality.

Depuis plus d'un siècle, Parsons The New School for Design est synonyme du meilleur de la mode américaine, encourageant le talent créatif et repoussant les limites du style à travers le monde. L’influence stupéfiante des nombreux anciens élèves de l’école a créé un héritage dont l’échelle et l’ampleur n’ont fait qu’au fil des décennies. Ce volume richement illustré explore cet héritage à travers le témoignage de ses stars les plus brillantes, avec des interviews et des croquis d'archives exclusifs de Donna Karan, Alexander Wang, Jack McCullough et Lazaro Hernandez de Proenza Schouler, et bien d'autres.

Comme l'écrit le rédacteur de mode et ami André Leon Talley dans l'introduction, «Valentino Garavani conçoit ses déjeuners et dîners, dans toutes ses maisons, comme il a créé des crescendos et allegros vivace tout au long de sa carrière de plus de 40 ans comme l'un des plus grands créateurs de haute couture et leaders mondiaux de la haute couture. »

La beauté et le divertissement sont depuis longtemps des passions de Valentino. «Je suis amoureux de la beauté», admet-il dans l’ouverture du livre. «J'ai toujours aimé les beaux objets.» Bien qu’au-delà des objets d’art tangibles logés dans chacune de ses résidences, l’excellence de Valentino en tant qu’hôte se définit par la chaleur et la joie qu’il crée pour ses hôtes.

«Lorsque vous entrez dans son monde, vous entrez dans le monde du luxe; vous entrez dans un espace rare et opulent, mais chaleureux », ajoute Talley. L'atmosphère évoque «la joie du partage et la joie de proposer une magnifique expérience culinaire dans un cadre d'émerveillement et d'originalité; partage avec la famille, les amis et les invités; partager une bonne conversation souvent animée; et partager de belles fleurs, en particulier des jardins de Valentino », poursuit-il dans son introduction.

Photographié par le célèbre photographe italien Oberto Gili, et organisé par résidence, ce livre invite le lecteur à profiter de divers décors de table et recettes propres à chaque maison. Un flan au chevre peut être servi sur de la porcelaine portugaise dans son chalet de ski à Gstaad, tandis qu'une visite chez lui à Londres révèle un «chef-d'œuvre de décoration» - dit Talley dans son texte - avec une salle à manger orientaliste de porcelaine bleue et blanche . Le pied-à-terre de la ville de New York présente des «décorations de table… sans limites dans leur raffinement», notamment des services de table russes et des assiettes en verre irlandais rouge rubis. Sur T.M. Blue One, les clients sont servis une cuisine d'inspiration méditerranéenne sur des ensembles de service de dîner personnalisés sur le thème de la mer. «J'adore partager les choses de ma vie avec mes amis», dit Valentino.

Parmi toutes ces maisons de luxe, le joyau de la couronne du répertoire résidentiel de Valentino est le Château de Wideville, un château historique en dehors de Paris qui est certes le favori de Valentino. Là, des plats de cuisine maison d'inspiration italienne, comme le risotto milanais, sont présentés parmi sa collection de cygnes Meissen rares. «J'adore les ensembles de porcelaine antiques, comme Meissen, russe ou de P.K. Selesia, une entreprise allemande des années 30 », déclare-t-il.

Quoique indépendamment de la résidence ou du nombre d’invités, l’engagement de Valentino envers l’excellence ne faiblit pas. «Je suis très souvent seul et je profite de mes maisons», dit Valentino. «En divertir trente ou un, c'est la même chose; la nourriture doit être dans une belle assiette. Le rêve est devenu réalité.

Valentino Garavani, souvent connu simplement sous le nom de Valentino, est un créateur de mode légendaire et un maître couturier. Il a fondé sa maison de couture éponyme à Rome à la fin des années 1950 et a depuis établi une illustre carrière en concevant pour les femmes les plus glamour du monde, de la royauté aux icônes hollywoodiennes, en passant par Jackie O, Elizabeth Taylor et des muses modernes comme Gwyneth Paltrow et Anne Hathaway. .

Depuis ses débuts dans la conception de robes, Valentino et son partenaire commercial de longue date Giancarlo Giammetti ont construit la marque Valentino dans un empire international, aujourd'hui l'une des marques de mode les plus emblématiques au monde, souvent associée à sa couleur signature, «Valentino Red». Bien que Valentino ait pris sa retraite de la mode en 2008, il continue de créer et de suivre ses passions.

As fashion editor and friend André Leon Talley writes in the introduction, “Valentino Garavani designs his luncheons and dinners, in all of his homes, the way he has created crescendos and allegros vivace throughout his forty-plus-year career as one of the greatest haute couture designers and high-fashion leaders in the world.”

Beauty and entertaining have long been passions of Valentino. “I am in love with beauty,” he admits in the book’s opening. “I have always loved beautiful objects.” Though beyond the tangible objets d’art housed in each of his residences, Valentino’s excellence as a host is defined by the warmth and joy he creates for his guests.

“When you enter his world, you enter the world of luxury; you enter a rare and opulent, yet warm space,” adds Talley. The atmosphere evokes the “joy of sharing, and the joy of delivering a magnificent dining experience in a setting of wonder and originality; sharing with family, friends and guests; sharing good conversation that is quite often animated; and sharing beautiful flowers, especially from Valentino’s own gardens,” he continues in his introduction.

Photographed by renowned Italian photographer Oberto Gili, and organized by residence, this book invites the reader to enjoy various table settings and recipes specific to each home. A flan au chevre may be served on Portuguese porcelain at his ski chalet in Gstaad, while a visit to his home in London reveals a “decorating masterpiece”--says Talley in his text--with an orientalist dining room of blue and white china. The New York City pied-a-terre showcases “table decorations…limitless in their exquisiteness” including Russian dinner-service sets and ruby red Irish glass plates. On T.M. Blue One, guests are served Mediterranean-inspired cuisine atop custom, seafaring-themed dinner service sets. “I love sharing the things in my life with my friends,” Valentino says.

Among all of these luxurious homes, the crown jewel of Valentino’s residential repertoire is the Chateau de Wideville, a historic chateau outside of Paris that is admittedly Valentino’s favorite. There, meals of Italian inspired home cooking, such as risotto Milanese, are presented amongst his collection of rare Meissen swans. “I love antique china sets, like Meissen, Russian, or from P.K. Selesia, a German company from the 1930s” he states.

Though regardless of residence or number of guests, Valentino’s commitment to excellence does not waver. “I am very often alone and enjoying my houses,” Valentino says. “Entertaining thirty or one is the same; the food has to be on a beautiful plate. The dream came true.”

Valentino Garavani, often known simply as Valentino, is a legendary fashion designer and master couturier. He founded his eponymous fashion house in Rome in the late 1950s and has since established an illustrious career designing for the world’s most glamorous women, from royalty to Hollywood icons, including Jackie O, Elizabeth Taylor and modern-day muses like Gwyneth Paltrow and Anne Hathaway.

From his start designing dresses, Valentino and long-time business partner Giancarlo Giammetti built the Valentino brand into an international empire, now one of the most iconic fashion brands in the world, often associated with his signature color, “Valentino Red”. Though Valentino retired from fashion in 2008, he continues to create and follow his passions.

240 pages
80 illustrations
Langue Anglaise
Sortie en novembre 2014
L 10,86 x L 14,25 x P 1,61 pouces
Couverture rigide dans un étui de luxe
ISBN: 9781614282938
6,0 livres

Paris est la ville du chic et, à ce titre, son style inné brille dans toute la ville, même dans les espaces les plus simples. Bistrots pittoresques, ruelles pittoresques, ateliers d'artistes et personnages uniques sont transformés en une peinture de genre moderne lorsqu'ils se déroulent à Paris. Des skateurs aux antiquaires, ce volume est un aperçu de la vie parisienne, comme si vous regardiez par-dessus le bord du balcon de votre propre pied-à-terre.

En collaboration, l'auteure Alexandra Senes et le photographe Oliver Pilcher ouvrent les portes de certaines des maisons les plus sophistiquées de Paris, partageant un portrait intime de diverses familles. Les moments calmes et quotidiens de la vie parisienne sont éternels à travers l’optique de Pilcher. Les monuments ne font pas une ville; les gens le font.

Paris is the city of chic—and as such, its innate style shines throughout the city, even in the simplest spaces. Quaint bistros, picturesque alleyways, artists’ studios and unique characters are elevated to a modern-day genre painting when set in Paris. From skateboarders to antiquarians, this volume is a glimpse into Parisian life, as if peering over the edge of the balcony at your own pied-a-terre.

Collaboratively, author Alexandra Senes and photographer Oliver Pilcher open the doors to some of the most sophisticated homes in Paris, sharing an intimate portrait of various families. The quiet, daily moments of Parisian life are eternalized through Pilcher’s lens. Monuments don’t make a city; the people do.

280 pages
Plus de 200 illustrations
Langue Anglaise
Sortie en septembre 2020
L 10 x L 13 x P 1,5 pouces
Couverture rigide en soie
ISBN: 9781614289333
6,0 livres

De la vie nocturne animée aux paisibles retraites de yoga, l'atmosphère hippie-chic d'Ibiza est sa marque de fabrique. Ce point chaud méditerranéen par excellence a servi d'évasion pour les artistes, les créatifs et les musiciens pendant des décennies. C'est un lieu pour se réinventer, pour marcher sur la fine ligne entre la civilisation et la nature sauvage, et pour découvrir le bonheur. Ibiza Bohemia explore les pittoresques falaises des Baléares de l'île, ses personnages légendaires et les intérieurs archétypaux qui définissent son style caractéristique.

From roaring nightlife to peaceful yoga retreats, Ibiza’s hippie-chic atmosphere is its hallmark. This quintessential Mediterranean hot spot has served as an escape for artists, creatives, and musicians alike for decades. It is a place to reinvent oneself, to walk the fine line between civilization and wilderness, and to discover bliss. Ibiza Bohemia explores the island’s scenic Balearic cliffs, its legendary cast of characters, and the archetypal interiors that define its signature style.

300 pages
Plus de 200 illustrations
Langue Anglaise
Sorti en juin 2017
L 9,65 x L 12,99 x P 1,57 pouces
Couverture rigide en soie
ISBN: 9781614285915
6,21 livres